Créatrice innée et artiste de la première heure, notre dernière Aje Insider échange ses œuvres depuis les beaux jours de la maternelle. Née à Taipei et basée à Melbourne, elle a débuté dans le monde de l'aquarelle avant de passer à une approche multidisciplinaire et de trouver ses marques dans la céramique.
En mettant l'accent sur l'importance des techniques artisanales et de l'utilisation de la main, elle utilise ses œuvres impressionnantes pour explorer la relation entre la nature et l'humanité, les préoccupations environnementales étant un thème constant. Citant sa plus grande réalisation à ce jour en tant que projet en cours héroïsant le travail de collègues artistes féminines, rencontrez la femme merveilleuse qu'est Zhu Ohmu.
En tant que rencontre d'esprits et célébration de la créativité dans l'adversité, retrouvez Zhu capturé entièrement à la maison via Zoom pendant le verrouillage par une compatriote de Melbourne et amie d'Aje, la photographe Ivana Martyn.
Comment êtes-vous devenu artiste ? Racontez-nous comment tout a commencé en commençant par votre ville natale de Taiwan, en étudiant les beaux-arts à Auckland, pour maintenant être basé à Melbourne.
Je suis né à Taipei et je fais de l'art depuis aussi longtemps que je me souvienne. Quand j'avais trois ans, j'ai commencé à dessiner des personnages inspirés de Sailor Moon, et les enfants de la maternelle faisaient la queue et échangeaient ces dessins contre des jouets et des collations. Une fois, une fille a échangé la bague en or de sa mère contre un de mes dessins et ma mère m'a fait la rendre le lendemain.
Quand j'avais sept ans, ma famille a immigré en Nouvelle-Zélande, où j'ai vécu jusqu'à l'âge de 22 ans.Je suis diplômée de l'Elam School of Fine Arts d'Auckland en 2011, ma formation était dans l'aquarelle et les petites peintures. Après l'école d'art, j'ai déménagé à Melbourne et j'ai souffert d'un blocage créatif pendant deux ans. Démotivé par la réalisation d'œuvres 2D, j'ai commencé pendant cette période liminale à expérimenter des supports plus tactiles. En même temps, j'ai remarqué qu'il manquait quelque chose d'autre dans ma nouvelle vie en Australie : le manque de verdure dans ma maison.
J'ai commencé à collectionner des plantes d'intérieur et j'ai fabriqué des jardinières amibiennes en pinçant de l'argile sèche à l'air. Je me suis senti ravivé par les idées et les sentiments stimulés par cette nouvelle conscience kinesthésique de la forme et ma pratique de la céramique est née. La fabrication à la main est peut-être la méthode la plus directe et la plus simple pour interagir avec l'argile - une pression est appliquée et l'argile répond - mais c'est une sensibilité tactile où l'on doit s'appuyer sur la friction physique entre les mains et l'argile pour discerner où et comment le matériau se déplacera . L'intimité du toucher est devenue mon nouveau langage d'adoption et l'espace transitionnel où l'argile vacille entre l'informe et la forme mon nouveau terrain de jeu.
Les pots de bobines sont une technique de conception unique pour vous. Comment avez-vous développé cette signature ?
Les bobines imitent le processus mécanisé de l'impression 3D, mais sont fabriquées à la main. En inversant le biomimétisme, un concept où de nouvelles innovations technologiques sont découvertes à travers l'imitation de conceptions trouvées dans la nature, ce geste subversif explore comment nous pouvons rester pertinents à l'ère de l'automatisation, où l'on appréhende les machines provoquant l'obsolescence humaine.
Les céramiques imprimées en 3D sont fabriquées en empilant des bobines d'argile selon des mesures programmées jusqu'à ce que la pièce soit terminée. Un logiciel informatique et un bras robotique contrôlent la buse qui extrude l'argile, une innovation technologique permettant d'imprimer rapidement, avec précision et en grand nombre des dessins céramiques complexes.
En commençant par le simple exercice de copier la façon dont l'imprimante 3D effectue à plusieurs reprises l'action de superposer à la main les bobines extrudées, mais sans aucune planification préalable, les récipients en céramique ont émergé intuitivement - tombants, déséquilibrés - les formes semblent aller et venir. la manière dont ils sont fabriqués. Dictés par le poids de l'argile humide, ces pots sont souvent poussés à leurs limites structurelles, et beaucoup se sont effondrés. Contrairement à la machine, je suis capable de détecter le moindre changement dans les propriétés du corps d'argile dans différentes conditions environnementales. Cet aperçu de la plasticité et de la maniabilité, qui ne peut être obtenu qu'en passant du temps avec la matière physique par le jeu et l'observation, permet un compromis avec le matériau. Les mains de l'artiste sont capables de créer des formes que l'imprimante 3D céramique d'aujourd'hui ne peut pas, et c'est parce que les humains sont capables de la patience, du soin et de la curiosité nécessaires pour une relation intime avec l'argile.
Et combien de temps une œuvre peut-elle prendre du concept à la création ?
Cela dépend de ce que je ressens et de ce que je traverse à ce moment-là. Cela peut aller de quelques mois à quelques années.
Le wabi-sabi en tant qu'esthétique influence-t-il votre travail ?
Mon manque de formation formelle en céramique met l'accent sur l'expérimentation du processus d'enroulement auto-formulé.Les bris sont très fréquents dans mes œuvres au cours de mes deux premières années de fabrication de pots en bobine - la technique et les structures précaires entraînent souvent des fissures ou l'effondrement de tout le récipient. Cela peut se produire à tout moment pendant la fabrication, le séchage ou la cuisson. Découragé de pouvoir difficilement produire une pièce sans défauts, et ne voulant pas non plus écarter ces "échecs" sur lesquels j'ai passé de nombreuses heures, la seule option est de se réconcilier avec la nature du matériau et du processus. La philosophie japonaise du wabi-sabi résonnait de part en part avec ce sentiment d'acceptation radicale. Wabi-sabi embrasse la fugacité et les imperfections des choses - ses valeurs esthétiques prennent plaisir à la beauté perverse de l'irrégulier, du déchiré, du fracturé, du pourri... acceptant pleinement ces qualités comme faisant partie de l'histoire et de l'histoire de l'objet. C'est une vision du monde où les considérations de beauté contrastent avec les idéaux occidentaux de grandeur et de perfection ; contrairement à la culture actuelle du jetable où les produits jetables sont privilégiés par rapport aux biens durables qui peuvent être réparés. Je pense que le wabi-sabi peut nous apprendre à marcher légèrement sur cette terre et nous mettre au défi de sortir de la pensée consumériste.
Vous avez eu une attention remarquable de Vogue Italia, AD Magazine, à Simon Porte de Jacquemus - félicitations. Quelle a été votre plus grande réussite à ce jour ?
Merci! Ma plus grande réalisation jusqu'à présent serait mon plus long projet en cours WICA, qui signifie Women in Contemporary Art @women.in.contemporary.art. C'est une archive Instagram que j'ai commencée en 2013, la mission est de donner une reconnaissance et une visibilité aux femmes artistes d'identification pratiquant aujourd'hui et aussi de documenter les femmes négligées dans l'histoire. J'ai une grande confiance dans le projet, ce sera une campagne qui durera toute la vie et je cherche actuellement des moyens de le transformer en une entreprise sociale.
Quels ont été vos plus grands défis ?
Tous les céramistes vous parleront des difficultés à faire face à la vaisselle verte fissurée, aux déceptions d'émail, aux explosions de four, mais mon plus grand défi jusqu'à présent a été mental plutôt que technique. Mon cœur est de favoriser la connaissance socio-écologique et j'ai été attiré par d'autres médiums et disciplines qui pourraient être en mesure d'exprimer ces préoccupations de manière plus poignante. Produire des pots en spirale, sachant qu'ils se vendraient et seraient bien reçus, mais sans aborder et développer les réflexions que j'ai sur notre avenir environnemental incertain, c'est comme être simplement un rouage dans cette machine de consommation en constante expansion... et ne pas être honnête à ma philosophie personnelle. J'ai pris une très longue pause du studio en 2019 pour réfléchir à l'orientation de ma pratique et si les pots à bobines peuvent continuer à en faire partie, et depuis lors, j'ai fait un développement conceptuel très petit mais significatif qui tisse un plus fort voix écocritique dans mes pièces en céramique.
Quels conseils avez-vous pour les créatifs émergents ou les talents du design ?
Acceptez l'échec comme un processus d'apprentissage. N'ayez pas peur de forger votre propre chemin si vous ne vous sentez pas vu ou entendu sur le chemin bien tracé.
Y a-t-il un personnage clé dans votre vie vers lequel vous vous tournez pour obtenir des conseils ou de l'inspiration ?
Il m'est difficile de ne choisir qu'une seule personne - je suis là où je suis aujourd'hui parce que j'ai été soutenu et guidé par toute une communauté d'amis, de famille et de copains en ligne.Pour moi, l'inspiration peut venir de la nature, d'internet, des livres, de la musique, de vieilles idées, de discussions avec des amis, etc.
Quelle est la prochaine à l'horizon? Quelque chose d'excitant dans les travaux que vous pouvez partager avec nous ?
Une sculpture publique à Melbourne avec une date d'achèvement prévue en 2022.
